jueves, 8 de noviembre de 2012

"LA VIOLA"

¡Hola queridos compañeros, mi publicación de hoy la centro en la VIOLA, uno de los instrumentos que forman parte de la orquesta sinfónica a la hora de interpretar música clásica. 

Pues bien, la viola  forma parte de la familia de las cuerdas, especialmente es el más alto, y su tamaño es un poco más grande que el violín. Nace entre el siglo XVI y XVII suponiendo un salto  en el avance de la creación de instrumentos de arco. 

Durante el siglo XVII, la viola afrontaba el papel de apoyo al bajo o para completar la armonía. Con el paso de los años, la viola ha ido cogiendo protagonismo y se han compuesto muchos conciertos, sonatas, suites... para que tome protagonismo. 

Su poder expresivo, de acento suave, recogido y melancólico describen su carácter.. 

Chic@s, aquí os adjunto una foto para que podáis apreciar las partes que tiene  una viola.



El siguiente enlace nos llevará a poder escuchar un concierto para viola y poder apreciar su sonido y carácter.


¡SALUDOS!

miércoles, 7 de noviembre de 2012

"Otro romántico"


¡Hoy me apetece hablaros de Chopin, un romántico por excelencia! Esta vez os pego una biografía de la fabulosa página  http://www.biografiasyvidas.com/biografia/c/chopin.htm
¡Espero que os resulte interesante!
"Compositor y pianista polaco. Si el piano es el instrumento romántico por excelencia se debe en gran parte a la aportación de Frédéric Chopin: en el extremo opuesto del pianismo orquestal de su contemporáneo Liszt –representante de la faceta más extrovertida y apasionada, casi exhibicionista, del Romanticismo–, el compositor polaco exploró un estilo intrínsecamente poético, de un lirismo tan refinado como sutil, que aún no ha sido igualado. Pocos son los músicos que, a través de la exploración de los recursos tímbricos y dinámicos del piano, han hecho «cantar» al instrumento con la maestría con qué él lo hizo. Y es que el canto constituía precisamente la base, la esencia, de su estilo como intérprete y como compositor.
Hijo de un maestro francés emigrado a Polonia, Chopin fue un niño prodigio que desde los seis años empezó a frecuentar los grandes salones de la aristocracia y la burguesía polacas, donde suscitó el asombro de los asistentes gracias a su sorprendente talento. De esa época datan también sus primeras incursiones en la composición.
Wojciech Zywny fue su primer maestro, al que siguió Jozef Elsner, director de la Escuela de Música de Varsovia. Sus valiosas enseñanzas proporcionaron una sólida base teórica y técnica al talento del muchacho, quien desde 1829 emprendió su carrera profesional como solista con una serie de conciertos en Viena.
El fracaso de la revolución polaca de 1830 contra el poder ruso provocó su exilio en Francia, donde muy pronto se dio a conocer como pianista y compositor, hasta convertirse en el favorito de los grandes salones parisinos. En ellos conoció a algunos de los mejores compositores de su tiempo, como Berlioz, Rossini, Cherubini y Bellini, y también, en 1836, a la que había de ser uno de los grandes amores de su vida, la escritora George Sand.
Por su índole novelesco y lo incompatible de los caracteres de uno y otro, su relación se ha prestado a infinidad de interpretaciones. Se separaron en 1847. Para entonces Chopin se hallaba gravemente afectado por la tuberculosis que apenas dos años más tarde lo llevaría a la tumba. En 1848 realizó aún una última gira de conciertos por Inglaterra y Escocia, que se saldó con un extraordinario éxito".
 ¡SALUDOS!

¡WILLIAM BYRD!

¡Aquí tenéis un clásico renacentista y del Barroco!

¡William Byrd! (1543-1623) ésta es una de sus composiciones y una de las más conocidas "The Browning"

http://www.youtube.com/watch?v=0nE-HznpXnQ






¡SALUDOS!

"LA MÚSICA CLÁSICA" su creación.

¡Compañeros, hoy hablamos de la composición de la música clásica, especialmente la contemporánea!

Para componer música clásica existen diversas normas como por ejemplo el estudio de una manera profesional en los conservatorios. A la hora de componer tenemos que tener unos conocimientos muy amplios sobre la música, sobretodo en composición y armonía. Sin embargo, muchos de los compositores que han formado parte de la historia y aún en la actualidad, no han necesitado un diploma, título o algún reconocimiento académico, simplemente sus experiencias en el mundo de la música y su talento personal han dejado que también puedan componer su propia música.






Hoy en día, cuando hablamos de música clásica contemporánea casi no hablamos de armonía y contrapunto, ya que la atonalidad ha pasado a formar parte de algunas composiciones. Definimos atonalidad como "un sistema creado por Arnold Schoenberg, el cual ordena doce sonidos comprendidos en el ámbito de una octava en una serie, sin que ninguno de ellos se repita y reordenando la serie según las formas canónicas generando así todo el material sonoro que la obra necesita"(wikipedia)

La anterior definición nos lleva al serialismo, desarrollado, principalmente por Alban Berg, definiéndolo como "una suerte de racionalización del material sonoro usando el mismo principio del dodecafonismo, pero incluyendo el ritmo, la intensidad y el timbre" (wikipedia)

Los silencios, la música aleatoria, la utilización de dados, monedas u otros objetos para generar aleatoriamente el movimiento de la música.

Poco a poco, la música electrónica también pasa a formar parte de la música clásica, también la minimalista, reduciendo los elementos composicionales a su mínima expresión y los hace variar de forma progresiva, apoyándose en la repetición.

Hoy en día, contamos con muy buenos compositores de música clásica contemporánea que con la creación de nuevos instrumentos y sonidos electrónicos experimentan en sus obras un tremendo éxito.

¡Buenas noches chic@s!

¡Wolfgang Amadeus Mozart!



¡Hola chic@s! hoy vamos a dar un paseo por la vida de uno de los grandes y más conocidos compositores de la música clásica. Conocido en el mundo entero y gran referente de la música de hoy, con más de seiscientas composiciones para orquesta sinfónica, concertantes, música de cámara, piano, corales y ópera. Wolfgang Amadeus Mozart, un romántico de la época. Nos ayudaremos de Wikipedia o lacoctelera.net

Salzburgo, 27 de enero de 1756, nace el compositor, pianista austriaco y maestro de todo el Clasicismo.
Desde bien pequeño, Mozart destaca ante el violín y el teclado, y a la temprana edad de cinco años empieza a componer de una manera espectacular para toda la realeza, siendo compositor de la misma corte de Salzburgo como músico.
Al poco tiempo de dejar este cargo se instala en Viena, ciudad donde alcanza la fama, aprende de muchos músicos y compositores de la época como Beethoven y Haydn, y posteriormente en su viaje a Londres, de Bach.
En la actualidad,  reconocido como un genio en la historia de la música y de la improvisación. Gracias a su estilo “galante” (música simple, brillante, con cadencias, cuidado de la tónica, la dominante y subdominante, acordes, frases simétricas…) Mozart hace un punto y aparte entre la música del Barroco y la Romántica.
Sus composiciones también estuvieron dedicadas a la música de cámara, obras para cuartetos de viento, quintetos de cuerda y sonatas para piano. Además, sus conciertos para piano, danzas, divertimentos y serenatas complementaron toda su parte como compositor.
En cuanto al estilo de Mozart, en cada una de sus composiciones, la claridad, el equilibrio y la transparencia son rasgos personales del artista. También, durante la última década de su vida,  la armonía cromática forma parte de sus composiciones con una gran seguridad y un grandioso efecto artístico.
Aunque con anterioridad he comentado que Mozart supone un cambio brusco del Barroco al Romanticismo, cierto es, que en su madurez decide incorporar rasgos adaptados de esta primera época. Por ejemplo, en la Sinfonía nº29 con el contrapunto en el primer movimiento y frases irregulares.
Algunas de sus obras más importantes son:
-       Sinfonía n.º 40 en sol menor
-       la ópera Don Giovanni
-        n.º 35, Haffner (1782)
-        n.º 36, Linz (1783)
-        n.º 38, Praga (1786)
-        n.º 39, en mi ;
-        n.º 40, en sol menor,
-        n.º 41, en do mayor,  
-       Júpiter compuestas en 1788)
Por último, Mozart tuvo una vida brillante en el mundo de la música, pero su muerte en Viena, el 5 de diciembre de 1791), quedó como un misterio nunca resuelto, y del que se han hecho varias hipótesis que por falta de pruebas no se han podido dar por válidas. Es interesante dicho hecho ya que desde un punto personal es una lástima que un genio acabara de la forma que alguna de las hipótesis apuntan.

Algunas investigaciones extraídas de la época, culpan a una fiebre de la causante de su muerte y otras hacen referencia a un compañero suyo que por envidia lo envenenó con mercurio. El día de su funeral, Mozart “descansaba” sólo en una fosa común, con apenas algunos músicos y algunas personas más.
El final de su vida es un verdadero misterio, a la vez triste. Pero muchos de los que ahora reproducen su música y la sienten, como por ejemplo yo personalmente, hemos hecho que Mozart tuviera un final, pero a la vez un principio en el mundo presente, su música no deja de sonar en auditorios, plazas….llenando cada rincón  de magnificas creaciones, como son todas las de éste genio.

Chic@s, a continuación os dejo algunos enlaces para que les echéis un vistazo a algunas de sus obras.
 http://www.youtube.com/watch?v=cNr3CM_XYj8   
¡Saludos, y a disfrutar!

domingo, 4 de noviembre de 2012

¡LA ORQUESTA SINFÓNICA!


Hoy le hacemos un hueco a la parte fundamental de la música clásica. Los compositores de la música clásica son los auténticos genios de este estilo de música, pero no debemos olvidar los que verdaderamente hacen que esa música se pueda escuchar y percibir. Éstos son los miembros de la orquesta y la orquesta en su conjunto.

Los instrumentos que se utilizaron y se utilizan se inventaron a mediados del siglo XIX aproximadamente y posteriormente codificados en el siglo XVIII y XIX. Para hacernos una idea de cuáles son, podemos echarle un vistazo a la orquesta sinfónica, ahí es donde los podemos encontrar todos, además cuenta también con el piano, el clavicémbalo y el órgano, como instrumentos solistas, pero estos últimos sólo a partir del siglo XX y siglo XXI, fecha en la que se inventaron.


Con el paso de los años y la evolución tecnológica, se han creado sintetizadores, para poder experimentar nuevos sonidos y nuevas mezclas en las partichelas de los compositores.


 La voz humana también es un instrumento fundamental en la música clásica. Muchísimas de las creaciones han sido compuestas para el acompañamiento de la voz. En la actualidad, la música clásica cuenta con voces muy reconocidas y de gran prestigio.



A continuación, os muestro una imagen extraída de Internet para que le eches un vistazo a la forma en la que se organizan los instrumentos dentro de la orquesta sinfónica.


viernes, 2 de noviembre de 2012

TÉCNICA MADRIGALISTA

QUERIDOS SEGUIDORES, EN LA ENTRADA ANTERIOR OS HE COMENTADO DE UNA MANERA BREVE LA VIDA DE MONTEVERDI. PUES BIEN, OS PREGUNTARÉIS QUÉ ES LA TÉCNICA MADRIGALISTA, UNA DE LAS MÁS UTILIZADAS EN LA ÉPOCA DEL COMPOSITOR. AQUÍ OS PEGO UNA DEFINICIÓN CLARA EXTRAÍDA DE WIKIPEDIA SOBRE SU CONCEPTO.
"El madrigal es una composición de tres a seis voces sobre un texto secular, a menudo en italiano. Tuvo su máximo auge en el Renacimiento y primer Barroco. Musicalmente reconoce orígenes en la frottola, con influencias de otras formas musicales como el motete y la chanson francesa de la música renacentista. Generalmente el nombre se asocia al Madrigal de fines del siglo XIII y principios del siglo XIV en Italia, compuestos en su mayoría para voces a capella , y en algunos casos con instrumentos doblando las partes vocales. El madrigal fue la forma musical secular más importante de su tiempo. Floreció especialmente en la segunda mitad del Siglo XVI, perdiendo su importancia alrededor de la tercera década del Siglo XVII, cuando se desvanece a través del crecimiento de nuevas formas seculares como la ópera, y se mezcla con la cantata y el diálogo. Su difusión se inició con el "Primer Libro de Madrigales" de Philippe Verdelot, publicado en Venecia en 1533. Esta publicación tuvo un gran éxito y la forma creció rápidamente, primero en Italia, y hacia el fin del siglo, a varios otros países de Europa. El madrigal fue especialmente apreciado en Inglaterra, desde la publicación en 1588 de "Música Transalpina" de Nicholas Yonge -una colección de madrigales italianos con sus textos traducidos al inglés- que inició por sí misma una cultura inglesa del madrigal. Allí tuvo incluso vida mucho más larga que en el resto de Europa; los compositores continuaron produciendo obras de maravillosa calidad aún después de que pasara de moda en el resto del continente"
¡SALUDOS!

¡Monteverdi!

¡Hola compañeros! hoy nos centramos en Claudio Monteverdi. Personalmente, uno de mis compositores preferidos de la música renacentista y posteriormente barroca. ¡ Espero que os sea de gran interés! Claudio Giovanni Antonio Monteverdi (15 de mayo de 1567, en Cremona - 29 de noviembre de 1643, en Venecia). Figura más importante en la transición entre la música del Renacimiento y del Barroco. Maestro de coro y director de la catedral de San Marcos en Venecia, ciudad en la que compondría la mayoría de sus óperas, especialmente de temática sacra, combinando muchos estilos, como por ejemplo la polifonía de su Misa vocal operística y composiciones corales antifonales de sus Vísperas. Estudió música con Marco Antonio Ingegnieri y de esta manera a los quince años empieza a publicar sus primeras creaciones, utilizando la mayoría de las veces la técnica madrigalista, técnica que aún en la actualidad sirve de gran guía para los compositores actuales. En sus obras también combina las estructuras homofónica y contrapuntística, combinando así las armonías y disonancias. En 1607 estrena Orfeo, considerada en la actualidad como la primera ópera de todas. Poco a poco fue creciendo su gran popularidad gracias a su creaciones combinando el cromatismo con el estilo monódico de la escritura vocal. Monteverdi fallece el 29 de noviembre de 1643 en Venecia, dejándonos técnicas y composiciones que inspirarían a compositores de la época posterior e incluso actual.